张建波一直创作抽象作品，并且对语言的书写和语言本身情有独钟，在他看来，语言里充满了源初的和神圣的奥秘，而对语言的聆听和书写则是体验这种奥秘、被这种奥秘充满的求解方式。他这次的部分绘画里加入了形象的成分，将祷告墙和云南山寨简朴教堂的剪影大大地铺开、矗立在画面上，几乎充满了整个画面。在这斑驳、厚重、附满了祷告声和生活气息的墙上，用苗文这一新的文字形式的点化来誊写灵里的感知。在很久的纯抽象后加入形象，必然是画家进入另一个阶段的思考，从进入来超出。在四联画《四声部》里，延续了他以往的创作方式，但不同的是，给色彩浸入了明确的感情温度和生命脉搏，四个不同的色调分别传达了四声部的体验。在艺术语言上，笔触和形式都更有力度，超出了之前密集的盼望和沉浸其中的谨慎小心，有了一个精确轻松的把握。这不能不说是一次切实深刻的行走经验给他的壮实。可以看出，经过这一次的切实体验，他已经从之前的追寻中获得能力，步入了下一个语言领域。笔触既有书法的意味又有音符的律动和气势，点、提、转、连都疏密有致、静动有性、轻重有音，一个个字符就在飞舞、和唱、赞美、欢呼。
美国画家斯蒂夫长期生活、创作在中国，但他生长于基督教文化中，对各样造物都有自然而然的灵性发现，且能让这些物件彼此之间互为建立。他对中国人生活中的简单元素都有极为敏感的捕捉，那些最不被人注意的、最被人遗忘的东西，经过他的重新编织组合，就让这些本身就担有意味的素材产生了新的意义承载。在他的采集拼合下，最简单、最常见的日常物品连同野花小草都在神之爱的关照下，赎回自身的价值，收取灵命的丰盛，重建意义的关系。斯蒂夫的画面上乍看非常杂乱，各种植物、织物、标本、纸张、枝条、路上的随笔记录、速写……各种各样只要被他认为可以拿来体现自己的感知的，都会出现在画面上，拼贴结束后，还有油画颜料的点拨。但这正是他最放松也最精心的创作，他收集起人们生活中具有符号性的方方面面的素材，记录下福音已经深深渗入生活洪流的面貌。他的作品有近看和远观的两种必要，就在一进一退的小小步调之间，画家想要展示的反思和赞美就自然生成在观者心间了。在他这里，物体的实际形貌已经无关紧要了，紧要的是它们互相之间建构的神圣寓意。
可以看到，承领上帝的恩惠，这些艺术家们获得了面对世界时全然不同的眼光，灵命的回归，使他们眼里的万事万物脱离了属世、肉身的意义，每一样都是上帝爱世人、创造永生福乐的见证，每一种美都担有伊甸之福的原型。在上帝言成宇宙的创造启示中、道成肉身的爱的恩典中，人因信称义，获得属灵的新生命，并且因此得着创造的能力，荣耀爱的大能的能力。圣艺术的创作，既有一个确定的永不止息的创造来源，又因着这来源的普世性，把创作的着眼点放在世俗生活的爱的建造中，并把一切领悟、创造、所得、所有归于全能的唯一的创世者——上帝。
因此，圣艺术创作者的一个共同特征，就是具有属灵的新生命，充充满满地有恩典，有真理。怀着这样的恩典和真理，他们在艺术创作中首先要思考的是：上帝恩赐给自己图绘的能力是为了什么?这样就对自己的艺术有一个定位。可能在世人眼里看来，这样腾空自己的思域投奔上帝的意思，是偏于一隅，给自己的限制，但恰恰不然。正是因为圣艺术创作者找到了人和神、人和世界的关系，才对所有的事物有了确切的认识，这认识不会随着时代、环境的改变而改变，而是在每一种时代、每一个环境中都因为认定的关系而充满创造性，因为复杂多变、混乱蒙蔽的生活拥抱这种创造。第二点，圣艺术的创作必然催生出丰富多样、生动深刻的艺术语言，因为怎样才能更好地领悟圣言的真谛，怎样才能更好地把领悟到的恩赐传达出来，把因为世人灵性生活的混乱呆滞导致的“闭目塞听”从不可见变为可见，把人们通常以为的象征意义从认识偏陋、迷信的地方提取出来，注入实在的属灵意义并使之具有创造价值，是圣艺术创作者必然要面临的问题。另外，艺术在上帝的爱意里自然生成实存的价值，但这价值还不能完成上帝的爱意，完成上帝的爱意不仅需要圣艺术完全领会呈现，而且需要秉承“光与盐”的精神，显出光明，向属世的价值渗透，重建集体精神。这又临到下一个问题，即圣艺术对属世价值、集体精神的建造如何可能?当代艺术遇到了严重的精神缺失问题，艺术家对社会生活的审视大多处于纷乱、消极、疲惫的状态，而视觉艺术对于社会生活永远是具有先锋性和创造性的，如果艺术家不能对社会生活有诚恳正确的反思，不能深入问题的实质，更不能对问题有自己的解答和参与，那他的创作生活并没有真正地开始，他的创作只是为这世人的盲乱的眼目更添了一份负担而已。圣艺术秉承的最高宗旨，就是以属灵的艺术唤醒世人属灵的存在，把人与世界的关系坦白无误地展示出来，引发人们的反思，从而达成共同建造有信、有望、有爱的美好生活。但这种建造必然要随着时间表的顺序，有一个适当的方式。属灵的语言远远宽厚于属世的语言，由于人与神的分离，人们对事物、语言的知解绝大部分都背离于灵语，只有很小很少的部分能够与灵语交通。因此借助一定的方式使圣艺术与观者形成尽可能的对话，并且让观者看到画家真正在讲、实际要说的东西，就非常必要。有距离才有超越，圣艺术要借着属灵的祝福引领世人超越人的顾念，认识上帝的顾念，让每个人都实存为上帝大爱的成就者，与爱同在，守望灵命。“圣艺术”以“圣”为定语，也正是强调了人与神的距离，指明了当行的道路，立起一个警醒!
这次画展中，选择艺术家手记这一贴切的方式，既让观者能够从司通见惯的素材中领悟到属灵的奥秘，得到圣灵的启迪与膏抹，又保持了艺术与生活的一定距离，非常值得肯定。艺术必定高于生活，高于普遍知解水平，保持艺术的“高姿态”又不至于孤芳自赏，划地为牢，是艺术创造性的一个重要方面。因此，保持能够超越的适当距离，才能唤醒久已蒙蔽的灵命，并随着艺术家的谦卑言述开疆拓土，进入艺术带来的新的领域中。当然，圣艺术的顺利解读，也需要观者放下甚至倾空个人原有的一切偏见，借艺术家的灵眼看画面，看艺术家在说什么、做什么，才能真正看到画面的色调和语言，否则，真正呈现在画布上的大部分都容易被忽略。
这次圣艺术展，吸引了社会各个层面的观者前去参观，虽然正值北京隆冬最严酷的时候，但观者络绎不绝且不是走马观花逛展场的景象，说明这是一个成功的展览。越多层面的人进入这属灵的现场、驻足于这灵命的辉映中，越需要对圣艺术的深思。当代艺术的美学诉求若不扎根于精神、灵性，在泥泞的道路中必然难于前行。艺术作品既是意义也是存在，通过作品的存在和被解读，意义才能被彰显和占有。展厅里所展出的作品，是艺术家们行出来的灵语在画布上呈现出的，一个过去的百年前的，也是一个现在的切切追慕的佳美脚踪!
残存的祷告房成为爱的使者没有文字的纪念碑，富有灵命的人们从这纪念碑上承接上帝爱的恩膏。“以灵命爱中华”圣艺术展，正是属灵的艺术家为灵里的爱所成就的新的祷告房，愿圣艺术在爱的引领下承负“光”和“盐”的使命，永不止息!
（张怡，清华大学美术学院美术史研究生）
注释：
[1] 《为光做见证——当代圣艺术邀请展》，重庆锦瑟画廊，2009，第1页。
